Esta primera transcripción, de una serie de entrevistas con Cristian López Sandoval (CL), tienen lugar en la virtualidad. Nos permitimos usar un tiempo relativo y fijado de mutuo acuerdo, para un encuentro semanal, por la distancia física que nos separa, y con la posibilidad de lo sincrónico de la era digital. Para revisar la contemporaneidad de la creación artística, la creación musical, su visión del arte y la realidad.

Este primer encuentro, es un acercamiento al pensamiento de Cristian López, a la creación, planteando distinciones necesarias, sobre la composición, el arte sonoro y la creación musical. La visión del tiempo y su eternidad, el registro sonoro, la partitura sonora, como una evidencia de lo pensado y de lo escuchado.

 

OV: Maestro, en qué estás… en términos creativos, qué estás haciendo…

 

CL: mira, estoy en lo mismo, pero como, yo diría, de una manera mucho más como, poco contaminada, estoy levantando nuevamente proyectos contundentes, con el laboratorio de arte sonoro, que ya vamos a cumplir diez años de vida, vamos a hacer un proyecto que va a partir ahora en Enero, en el estrecho de Magallanes, con unas personas de allá que son científicos, y que tienen un proyecto allí de conservación en la Isla Navarino, cerca de la Isla, en OMORA, en el último confín habitado por seis personas. Ellos tienen un proyecto súper bonito, que ya nos vinculamos y quedamos muy empilados para llevar a cabo lo que yo les propuse, hacer una residencia allá, inicialmente con tres o cuatro compositores o artistas sonoros, en el tema que ellos tienen, que es la inmersión en ele bosque nativo, con lupas, llevan diez personas, y se meten en este bosque, una selva allá, todavía; y van reconociendo este habitat, este medio ambiente, a través de lupas. Entonces nosotros le propusimos un trabajo que era de escuchas, como la lupa, la escucha, te das cuenta.

 

OV: una escucha microscópica.

 

CL: una escucha muy focalizada, muy particular, vamos a hacer un trabajo bonito, que va a partir con un primer viaje en enero de 2022, donde vamos a hacer esto, celebrar los diez años del laboratorio. Vamos a levantar después un diplomado en composición, más bien de creación musical, con algunos invitados internacionales, que van a hacer clases y todo gratis, con un tope de alumnos, en la línea de celebrar esta cosa.

De Homora van a salir obras, esas obras las vamos a poner en internet, también se van a llevar a cabo en una muestra, en algunos festivales, y siempre en el tema con el medio ambiente, con el agua, con la crisis, yo diría con la catástrofe, ese es el tema del Laboratorio de Arte Sonoro.

Por otro lado estoy en el tema de mis composiciones, de mis músicas, volviendo con mucha energía nuevamente, y con una veta nueva, (risa de satisfacción), una veta nueva que tenía desplazada, de cuando era adolescente, que era la exploración de la música electrónica, pero modular, he invertido, en una estación de trabajo, en un sintetizador euromodular, que ya lo tengo en mi casa, y que cuando venga, se lo mostraré en plenitud, y eso me tiene sumergido en un mundo que yo quería sumergirme, que no sé, talvez nunca tuve el tiempo espiritual y psíquico pa eso, uno está en la vorágine de las clases, de componer, de mostrar, de juntarse… yo sabía que ese era un mundo inmersivo, sin tiempo, en un juego de darle un destino al flujo de la síntesis, que no para nunca; tu abres la síntesis y como abrir una compuerta de agua, no sé, ha sido bonito, ha sido como una detención espiritual, en la música y en el sonido, para mi, en estos dos meses, y cada día me siento ahí, un par de horas a trabajar, esa, ha sido la nueva veta. Un lugar que estoy ocupando y que tenía muchas ganas de ocuparlo y de explorar.

 

OV: Que interesante el concepto de lo modular, un movimiento que se va construyendo y que va..

 

CL: Proliferando y a la vez…

 

OV: Avanzando.

 

CL: Y al mismo tiempo desapareciendo.

 

OV: desapareciendo, y además está lo inesperado, lo recordado, está la memoria, está lo nuevo, lo moderno, en fin, el presente, montones de cosas que van ocurriendo ahí ¿no?

 

CL: Hay cosas muy interesantes, por ejemplo, el no poder volver atrás, -eso es fantástico-, es como meterse de lleno en cierto mundo derridiano. Es un mundo sonoro que no permite el ritornelo; por lo tanto el ritornelo como casi todos los recursos de la toda la música tradicional, histórica, son recursos idiomáticos, son recursos artificiales que nos permiten crear la ilusión de que eso es posible, entonces le cantamos a nuestros niños, antes de dormirse una canción que es un ritornelo, o sea, desde pequeños, los metemos en esa posibilidad, en esa ilusión de que eso es posible, de que las cosas vuelvan a repetirse exactamente igual, o casi exactamente igual, y que eso genere esta necesidad imperiosa que tenemos los seres humanos de habitar un lugar.

 

OV: fíjate que esto que dices es bien paradójico, además, porque, la esencia de la formación es la repetición, cuando entras en la dinámica de la no repetición, estás ya en un estado completamente distinto.

 

CL: A eso quería llegar, que me he metido en un trabajo que me ha brindado la posibilidad de experimentar un estado con la música que es distinto, donde no puedo detener nada, donde no puedo volver atrás. Donde todo es flujo ocurre y deja de ocurrir.

 

OV: estaba pensando, en como opera aquí, más que la memoria, opera quizás la intensión, hay algo ahí, que puede ser algo de ese ritornelo ilusorio, donde lo inesperado o lo posible, empieza a aparecer tal como aparecen las palabras.

 

CL: Es como estar siempre frente al porvenir. Algo así. Es curioso, porque las máquinas están pensadas por los ingenieros que las diseñaron, en poder también controlar eso si tú quisieras, aunque en realidad su naturaleza es justamente lo contrario.

Estaba trabajando en un disco, grande, en el que estoy ocupando electrónica y electrónica modular, un sexteto de cuerdas, es decir un disco grande, y ese disco me ha metido en un pensamiento que hace tiempo que andaba repitiéndomelo, repasándolo:

Una cosa que una vez con mi papá en el sur, me mostró y que después desapareció como un foco de interés, entonces íbamos a un río, y me decía si tu metes la mano, tu brazo en el agua, se va a generar un vórtice, un remolino, y todo empieza a girar de la misma manera que giran los planetas alrededor del sol, en ese mismo sentido, porque es la gravedad, y por lo tanto, las hojitas y los palitos que empiezan a caer en este remolino, primero dan un gran viaje circular, y que se va achicando hacia ese hoyo negro que esta al final que se los va a tragar y los va a devolver a su propio devenir.

Esto me ha vuelto a mi cabeza, con los 57 años que tengo, de una manera muy potente, me devolvió algo de mi niñez, de ese conocimiento empírico, que lo estoy aplicando en este disco.

 

OV: en el fondo, quizás el ritornelo tiene que ver con la intensión de generar nuevos vórtices, a ver qué es lo que pasa, porque, además, imaginando meter el brazo en el agua, nunca va a ocurrir lo mismo, está solo la intensión de lo mismo, por lo tanto, nunca es igual. Depende de la fuerza del agua, de la intensidad, y eso te puede llevar a muchos devenires.

 

CL: lo que pasa es que allí hay una metáfora. Emerge una metáfora que es por un lado la eternidad, por ejemplo, la eternidad de la música, la eternidad del sonido, como una manera de acotarlo, pero es la eternidad, es la vida misma.

 

OV: la eternidad que es un absoluto, pero que en la práctica siempre es completamente distinta.

 

CL: claro, una eternidad de la cual formamos parte, y que vamos a seguir formando parte después de morir, de alguna manera es como esa energía, no, entonces en este caso es la metáfora, cuando meto el brazo en el agua, el dedo en el agua y genero este vórtice, estoy alterando la eternidad, estoy jugando a alterar la eternidad, y poder acotarla en una experiencia.

 

OV: claro, la experiencia, es lo que resume la intensión creativa.

 

CL: y aparece el tiempo, el paisaje sonoro, aunque prefiero hablar de la escucha, por ejemplo: escucho este paisaje, los dos sentados aquí, y tú vas a levantar en tu psiquis, en tu mundo interior, tu propio paisaje, que es distinto al mío, pero sin embargo estamos frente a los mismos hechos sonoros. Hay una eternidad y la escucha detiene esa eternidad, entonces, qué hace la música cuando se compara con la escucha, con el paisaje sonoro, con el entorno sonoro. El entorno sonoro es el continuum, es algo que nunca se va a detener, un sonido tapa al otro y el otro lo tapa y así, pero siempre va a estar allí, por tanto, hay un continuum. Y la música entonces sería para mi, la discontinuidad del tiempo.

 

OV: a pesar de que se dice lo contrario.

 

CL: lo que hace el compositor, lo que hace el músico es descontinuar el tiempo. Ponerlo en una situación de extrema tensión.

 

OV: en las culturas andinas se habla del rompimiento, cuando se entra en el rito, el rito tiene que ocurrir en determinado momento, lo que hacen las bandas, los sikus, los bronces, las flautas, el cantor, el coplero, es generar un impulso que rompe el tiempo, al hacer sonar la caja challera, se produce una especie de tiempo paralelo, donde se produce lo que tu dices, la discontinuidad del tiempo, del tiempo normal, y se va por el costado, de este tiempo normal que sigue, que no para,  -de la eternidad del tiempo, por decirlo así-, la eternidad del tiempo sigue su curso, pero acá, se rompe ese flujo y se entra en la dimensión del ritual, completamente discontinua.

Y ocurre lo que tu dices, cuando para, cuando termina, se vuelve al flujo eterno, se genera un vórtice finalmente.

 

CL: el ejemplo que tu das es exactamente eso, el rito es eso, un vórtice, que se crea en la eternidad del tiempo.

 

OV: Veo en ello, un grado tremendo de ética, porque depende de lo que impulsas, cuales son las intensiones; la discontinuidad que generas, lo que tu quieres compartir con otros.

 

CL: y esa ética genera nuevas preguntas, qué es lo que quiero provocar con este vórtice… en esta articulación, con esta discontinuidad. En mi caso, en lo que estoy haciendo ahora, lo que me mueve es hacer audible lo inaudible… hay un mundo que es inaudible hasta cuando decido ir al encuentro de ese sonido desconocido. Un instrumento tocado de una forma particular te propone una sonoridad, una cantidad de materiales expresivos, que hasta ese momento podían haber estado en el mundo de lo inaudible; con la música electrónica es lo mismo, hay cosas que tu logras, al discontinuar, y aparecen en esa discontinuidad, capas y texturas que nunca había escuchado, por ejemplo…  cuando pasa eso, digo “esto, esto ya quiero mostrárselo a mis compañeros de viaje, a mis amigos, a mis hermanos”, entonces ahí lo grabo, que es la única manera de tenerlo. Descubrir un espacio sonoro que me esta hablando de algo que hasta ese momento era inescuchado, que todavía no lo había escuchado. Entonces aparece el tema de la escritura, en ese momento es en el que se da cuenta que hay ciertos ejercicios de la música que solo se pueden escribir en la grabación, o en la memoria, pero su inscripción, su escritura ES la grabación.

Aparece como una cuestión arqueológica, si se piensa en el grabado, la mano puesta sobre la cueva hace veinte mil años, de alguna manera es lo mismo, hay una situación que se graba, que se registra, no que se cuenta, no que se intelectualiza, no que se lleva a una narrativa, es una cuestión casi visceral, en el caso de la música sería, el mundo de la diégesis, lo diegético, el sonido se escribe en su naturaleza sonora, en la grabación.

Queda entonces, la otra escritura, esa que uno ha cultivado desde siempre, esa escritura semiográfica, con el lápiz, con la goma, con el papel, para fijar otro tipo de prácticas y experiencias sonoras. En el caso de la música electrónica, no podría escribir de otra manera, sino grabando eso.